Третьяковская галерея презентация

живописи, основателем Третьяковской галереи Павлом Михайловичем Третьяковым (1832–1898), состоялось в 1869.
Художник и коллекционер активно переписывались, Крамской принимал участие в создании галереи портретов выдающихся деятелей русской культуры, исполнив по заказу Третьякова двенадцать работ.
«Я знаю его давно, и давно убедился, что на Третьякова никто не имеет влияния, как в выборе картин, так и в его личных мнениях», – писал Крамской.
Образ Третьякова написан аскетично, это лицо подвижника идеи. Такими людьми была богата Россия в  XIX веке. В конце жизни Третьяков заметил: «Моя идея была - с самых юных лет наживать для того, чтобы нажитое от общества вернулось бы также обществу (народу) в каких-либо полезных учреждениях».

1876

эпизод из сказки об Иване-царевиче, Жар-птице и Сером волке, изложенной А.Н. Афанасьевым по тексту, восходящему к лубочному изданию XVIII века. «Иван-царевич, сидя на Сером волке вместе с Прекрасною Еленою, возлюбил ее сердцем, а она Ивана-царевича».
Стремясь открыть зрителю красоту и возвышенность мира народной фантазии, передать народные представления о красоте и любви, верности и счастье, Васнецов использовал символическое обозначение образов народной поэзии. На его картине огромные стволы деревьев тёмного непроходимого леса похожи на фантастических великанов. Сквозь переплетённые ветви деревьев-чудовищ едва пробивается тревожный свет утренней зари. Таит опасность топкое болото с кувшинками. Атмосфера тревоги и печали окружает героев: беглецов ждут несчастья и разлука. А на первом плане – чудесно расцветшее яблоневое дерево – символ всепобеждающей любви, способной творить чудеса, знак счастливого конца сказки.
Соответствуют сказочным преданиям и образы героев картины в ярких нарядных «парчовых и златотканых» одеждах – женственный, трогательно нежный и печальный Елены Прекрасной и мужественный юного любящего царевича с тонкими чертами лица.

1897

1867

1884 году в Москве Ге написал портрет Льва Толстого в хамовническом доме - “главный” портрет позднего периода творчества.
Толстой представлен в своем кабинете за работой над рукописью трактата «В чем моя вера». Будничный ежедневный и одновременно героический труд писателя за своим столом - внутренняя тема этого портрета. Писатель - голос нации, символ, объединяющий ее, “правдиво сказанное слово - путь к бессмертию” - считал Карлейль (шотландский историк и философ).
В этом портрете художнику удалось далеко уйти от обычной рутины портретного жанра, открыть новые горизонты, новые средства образной выразительности. Прежде всего, Ге отказался от традиционного для психологического портрета XIX века фокуса портретного изображения - глаз портретируемого, направленных на зрителя. Часть критики и публики была шокирована: “Голова опущена, глаз не видно, а с тем вместе почти не видно и всего лица. Для наброска карандашом или пером это идет, и могло бы оказаться очень удачным; но так нельзя писать больших портретов...”’.
С портрета Толстого портретное творчество Ге словно обрело новое дыхание. Композиционные и колористические решения портретов этого времени необычайно разнообразны, характеристики точны и остры и вместе с тем овеяны благодатным чувством любви, радостного приятия людей и жизни.

нами парадный портрет знаменитого русского поэта М.Ю. Лермонтова. С полотна пристально смотрит на нас спокойный, благородный гвардеец с правильными чертами лица: удлинённый овал, высокий лоб, строгие карие глаза, прямой, правильной формы нос, щегольские усики. Художник старательно пытается передать выражение глаз. Сам М.Ю. Лермонтов иронизировал над собой, говоря, что судьба, будто на смех, послала ему общую армейскую наружность. По своей сути писатель был гражданским человеком, и художник П.Е. Заболотский несколькими деталями убеждает нас в этом: расстегнут мундир, отсутствует головной убор, приветливый, чуть насмешливый взгляд. Из воспоминаний современников мы знаем, что Лермонтов был человеком безудержной отваги, пылкого темперамента. В нём удивительно сочетались такие качества характера, как грусть, строгость, нежность, властность, скромность, смелость, благородство, мечтательность, и проницательный ум.

пожалуй, самое известное произведение Крамского, самое интригующее, остающееся по сей день непонятым и неразгаданным. Назвав свою картину “Неизвестная”, умный Крамской закрепил навеки за ней ореол таинственности. Современники буквально терялись в догадках. Ее образ вызывал беспокойство и тревогу, смутное предчувствие удручающего и сомнительного нового - появление типа женщины, не вписывавшейся в прежнюю систему ценностей. “Неизвестно: кто эта дама, порядочная или продажная, но в ней сидит целая эпоха”, - констатировали некоторые.
В наше время “Неизвестная” Крамского стала воплощением аристократизма и светской утонченности. Словно царица она возвышается над туманным белым холодным городом, проезжая в открытом экипаже по Аничкову мосту. Ее наряд — шляпа “франциск”, отделанная изящными легкими перьями, “шведские” перчатки, сшитые из тончайшей кожи, пальто “Скобелев”, украшенное собольим мехом и синими атласными лентами, муфта, золотой браслет — все это модные детали женского костюма 1880-х гг., претендующие на дорогую элегантность. Однако это не означало принадлежности к высшему свету, скорее наоборот — кодекс неписаных правил исключал строгое следование моде в высших кругах русского общества.

века

портрете Ф. М. Достоевского Перов просто и точно выразил психологическое состояние, которое передает словесная формула “уйти в себя”. Фигура, как бы сжатая в темном пространстве холста, изображена чуть сверху и сбоку. Поворот головы, сомкнутые черты лица, взгляд, устремленный в невидимую точку за пределами картины, создают ощущение глубокой сосредоточенности, “страдания” мысли.
Руки нервно сцеплены на колене — замечательно найденный и, как известно, характерный для писателя жест, замыкая композицию, служит знаком внутреннего напряжения.
Живопись Перова лишена колористических эффектов, едва ли не однообразна в проработке деталей, однако и в этом прочитывается стремление убеждать простой истиной факта. Но здесь перед нами “факт” особого рода: зная, кто изображен на портрете, можно понять, что скрыто за внешним аскетизмом образа.

защитников Древней Руси – Илью Муромца, Добрыню Никитича и Алешу Поповича – Васнецов стремился на пороге ХХ века обозначить преемственность героического прошлого русского народа с его великим будущим.
При всей конкретности образов, богатыри воспринимаются как мифическое олицетворение созидательных сил русской земли. Могучие фигуры на конях вздымаются подобно горам или исполинским деревьям. Под копытами богатырских коней хрупкая молодая поросль елочки и сосенки – метафора преемственности поколений.
Прибегая к изобразительной гиперболе, Васнецов наделяет своих героев исконными качествами русского характера. Илья Муромец олицетворяет основательность, мудрую неторопливость и опору на опыт и традиции народа. Гордый боевой дух и стремление защищать свою землю воплощены в Добрыне Никитиче. А в образе Алеши Поповича нашло отражение поэтическое, созерцательное начало русской души, чуткость ко всем проявлениям красоты.

в картине душу русской сказки, родственную неяркой среднерусской природе. В образе Аленушки, написанной с крестьянской девочки, передано страдание кроткой, одинокой, всеми отвергнутой сиротки, которую можно встретить во многих сказках.
Она бесконечно долго сидит на белом камне, как будто сама окаменела от страданий, в ее глазах застыло немое отчаяние. Взгляд девочки притягивает к себе подобно омуту. Темная глубина воды, в которой проступает призрачное отражение, неумолимо манит Аленушку.
Фигурка девочки словно сотворена из природных форм, гаснущих вечерних красок и узоров листвы и концентрирует в себе сосредоточенную грусть осенней природы, заботливо скрывающую и охраняющую героиню. Природа утешает ее, как мать утешает свое дитя. Пейзажные мотивы навеяны поэтическими фольклорными образами, например ласточки, что собрались на веточке над головой Аленушки – добрые вестницы, помощницы в беде, а трепещущие осины – символ горькой доли.

жестокостью, Верещагин выполнил серию картин «Варвары». Ключевое место в этой серии по своей идейной насыщенности занимает картина «Апофеоз войны».
Перед зрителем расстилается мертвая, выжженная солнцем пустыня с чахлыми деревцами, вдали – разграбленный город, а в центре – пирамида из человеческих черепов. Такие «памятники» оставлял после себя завоеватель XIV–XV веков Тамерлан (Тимур).
Первоначально художник намеревался назвать картину «Триумф Тамерлана», однако предпочел придать ей более масштабное значение, написав на раме: «Апофеоз войны» и добавив: «Посвящается всем великим завоевателям, прошедшим, настоящим и будущим».

образами древнеславянских мифов.
Новое воплощение сказка Пушкина обрела в одноименной опере Н.А.Римского-Корсакова (1900).
Врубель оформлял этот спектакль, а партию Царевны-Лебедь исполняла жена художника Надежда Забела-Врубель (1868–1913). «Все певицы, поют, как птицы, а Надя – как человек!» – говорил о ней Врубель.
Но картина – не костюмированный портрет артистки, это чарующий миф о высшей красоте, о тайне ее проявления в мире. В эстетике символизма лебедь олицетворяет вдохновение, которое может и возвысить душу, и привести ее к познанию темных, таинственных сторон жизни. Художник наделяет свой образ демоническими чертами.
Царевна-Лебедь – существо двойственной природы, она олицетворяет две стихии – темную, холодную водную и одновременно устремленную ввысь воздушную, небесную. Художник пытается уловить момент превращения девы в птицу, чудесную метаморфозу форм, словно тающих в последних лучах заката. Он передает ускользающее движение уходящей царевны. Изображение кажется бесплотным призрачным видением.

отражает интерес символизма к существам с двойной природой.
Пан (по-гречески) означает «всепроникающий, вездесущий». Обладая безобразной внешностью покрытого шерстью человека с рогами и копытами козла, Пан наводил «панический» ужас на людей, потревоживших его покой.
В то же время Пан – веселый бог, спутник игривых нимф, легендарный создатель первого музыкального инструмента – свирели. Он смастерил ее из тростника, в который обратилась нимфа Сиринга, отвергнувшая любовь козлоподобного бога.
«Пан» Врубеля скорее русский леший, в его образе художник выразил душу сумеречной северной природы, пытаясь уловить «интимнейшую национальную ноту». В облике врубелевского героя нет ничего устрашающего, кажется, он появился из корней старого дерева, чтобы отдохнуть на пеньке и сыграть на свирели.
Для художника Пан – воплощение чуткой, поэтической души. Прислушиваясь к шорохам ночного леса, журчанию ручья, шепоту листвы, он вбирает в себя все звуки и вибрации с тем, чтобы излить их в своих грустных незатейливых мелодиях.

Христовых. Сюжет картины заимствован из 18-й главы Евангелия от Иоанна.
В ответ на слова Христа: «Я… на то пришел в мир, чтобы свидетельствовать об истине…» Пилат пренебрежительно бросает: «Что есть истина?»
Христос изображен на фоне стены монолитно, как колонна или ствол дерева, а лежащие на полу концы веревок будто его корни.
Фигура Пилата на освещенном солнцем полу выглядит неустойчивой, она кажется языческим идолом. Героев разделяет яркая полоса света. 
Л.Н.Толстой восторженно писал о картине: «Мира не может быть между Христом и миром...» и «…это верно исторически, и верно современно».

называл этот сюжет «всемирным», он стремился показать все человечество в решающий, определяющий его судьбу момент.
В центре картины – фигура Иоанна Крестителя, совершающего крещение народа в реке Иордан и указывающего на приближающегося Иисуса. Слева от Иоанна изображена группа апостолов – юный Иоанн Богослов, за ним -   Петр,  далее - Андрей Первозванный, а за его спиной – Нафанаил, так называемый «сомневающийся».
На первом плане – язычники, уже обратившиеся или еще колеблющиеся, юноши и старцы – образ непрекращающейся жизни. В центре – богатый, отшатнувшийся от Христа, и раб, о котором Иванов сказал: «Сквозь привычное страдание впервые появилась отрада». Справа – фигура «ближайшего к Христу», в котором узнается облик писателя Н.В.Гоголя.
В облике странника  с посохом, сидящего неподалеку от Иоанна, художник запечатлел собственные черты.

до ареста и гибели Всеволода Мейерхольда, театрального режиссера-реформатора.
С целью показать конфликт личности с окружающей действительностью – в это время Мейерхольд был уже отстранен от работы – художник избирает сложное решение в построении композиции.
Фон, которым является ковер с пестрым орнаментом, решен как декоративная орнаментальная плоскость, а фигура написана объемно и выдержана в монохромной тональной гамме. Столкновение плоскости и объема, контраст цветовых пятен, дробные формы орнамента и фигура модели – все это создает особое эмоциональное напряжение, раскрывающее содержание образа.
Вот как описывает картину Всеволод Иванов: «На тахте лежит человек. Казалось бы, отдыхает. К этому располагают и нарядный ковер, и мирный пес. Но его творческая мысль не прекращается ни на минуту, она так же напряжена и беспокойна, как узор ковра…».

написанной им картины «Лунная ночь на Днепре» – факт по тем временам беспрецедентный. Картина вызвала фурор.
Художник избирает точку зрения издали и сверху, оставляя большую часть холста для изображения неба. Сияет диск луны, окрашивая контуры облаков в холодные тона. Лунный свет колеблется на темных водах реки, подчеркивая их медленное течение и очерчивая изысканную линию берега.
По словам Крамского, «…река действительно совершает величественно свое течение, и небо настоящее, бездонное и глубокое». Крамской считал, что картина должна была экспонироваться в темном зале, с направленным на нее светом.
Куинджи называли «художником света»  за его любовь к светотеневым контрастам, эффектной передаче солнечных закатов, лунных ночей и полуденного освещения.

в Санкт-Петербурге присудила автору звание профессора (1863), что было расценено критикой как победа новых тенденций: «Академия делает профессором человека, написавшего большую картину, но какую? Картину, где нет ни пожара, ни сражения, ни древней, ни новой истории…»
Всех взволновала новая, современная тема, тема власти денег и авторская позиция, явно выраженная фигурой молодого человека, стоящего за спиной невесты. Позиция эта показана столь откровенно, что картина была воспринята как автобиографическая, а молодой человек – как автопортрет художника.